Louis Vuitton setzte den Schlusspunkt unter die Pariser Fashion Week und beendete damit zugleich den gesamten Fashion Month. Für die finale Show wählte Nicolas Ghesquière einen symbolträchtigen Ort — den Innenhof des Louvre, wo historische Architektur auf futuristische Kulissen traf. Das war kein Zufall: Das Konzept der Show inszenierte eine Art Reise in die Zukunft.

Eine der wichtigsten Inspirationsquellen war der Futurismus. Er zeigte sich in Kleidern mit klaren geometrischen Formen und schimmernden Kunststoffdetails ebenso wie in Windbreakern mit hohen Kragen. Metallische Fransen und transparente Elemente in leuchtenden Farben verliehen den Looks den Effekt eines kosmischen Lichts.

Die SS’27-Kollektion kreist um die Idee der Bewegung. Klassische Hemden und Kleider erhielten neue Konstruktionen, Verschlüsse wurden neu positioniert, die Silhouetten wurden asymmetrisch. Drapierungen vermittelten den Eindruck, als sei der Stoff ständig in Bewegung, während mehrlagige Outfits scheinbar in der Luft schwebten.

Doch Ghesquière vergaß auch die Funktionalität nicht. Graue Anzüge, Utility-Jacken mit großen Taschen, Leder und hohe Stiefel gehörten ebenfalls zur Kollektion. Die Stücke wirken wie geschaffen für einen Reisenden der Zukunft, für den ein spektakulärer Auftritt ebenso wichtig ist wie die Bereitschaft zum Aufbruch.

Der feminine Teil der Kollektion präsentierte sich romantischer. Der Designer setzte auf Slipdresses, Lingerie-Tops und Rüschen. Röcke und Tops mit Volants kombinierte er mit Seidenhosen und schuf so Looks, die leicht wirkten und zugleich konstruktiv komplex waren.

Zum Blickfang der letzten Looks wurden Kristalle. Sie bedeckten Röcke, Kleider, Blazer und massive Choker. Selbst die Haarteile in Form von Ponyfransen erhielten eine funkelnde Verzierung.

Fotos: russh.com, GoRunway

Bei der Zimmermann-Show in Paris eroberten Schmetterlinge buchstäblich den Laufsteg. Die australische Designerin Nicky Zimmermann ließ sich von der geflügelten Insektenwelt inspirieren und übersetzte das Motiv in zahlreiche dekorative Elemente — von Spitzenapplikationen bis hin zu plastischen Konstruktionen auf Kleidern, Röcken und sogar Taschen.

Die Show fand im historischen Le Carreau du Temple statt, wo die vertraute romantische Ästhetik von Zimmermann eine experimentellere Fortsetzung erhielt. Milchige und pudrige Farbtöne, leichte Drapierungen, Volants, Spitzenkleider in Maxi- und Mini-Länge, lockere Hemden, Hosen, Capes und Tücher blieben als charakteristische Elemente der Marke erhalten. Diesmal setzte die Designerin jedoch verstärkt auf komplexe Texturen und eine ungewöhnliche Verarbeitung der Stoffe.

Nach Angaben der Designerin erwies sich die Arbeit technisch als anspruchsvoller als bei den vorherigen Kollektionen. Das Team experimentierte mit neuen Möglichkeiten, Bewegung in die Stoffe zu bringen und unterschiedliche Texturen miteinander zu verbinden.

Schmetterlinge wurden zum Leitmotiv der Saison — allerdings nicht immer auf den ersten Blick erkennbar. Bei einigen Looks musste man genauer hinsehen, um zwischen Spitze und dekorativen Details winzige Flügel zu entdecken.

So war etwa der Kragen einer Bluse mit einer Kaskade aus Spitzenschmetterlingen bedeckt. Auf weißen Jeans zogen sich die Applikationen entlang der Seitennähte, während transparente, mit Volants verzierte Kleider bis zum Boden fielen und mit skulpturalen Schmetterlingen und Blüten abschlossen.

Ein weiterer Look erinnerte an ein echtes Schmuckstück. Ein Spitzentop mit offenem Rücken wurde mit zahlreichen Schmetterlingsschichten verziert, die von Hand geformt und auf den Stoff aufgenäht wurden.

Gleichzeitig wurde die zarte Farbpalette der Kollektion durch hellblauen Denim sowie Ocker, Schokoladenbraun und Schwarz ergänzt.

Nicht weniger eindrucksvoll waren die Accessoires. Einige Taschen wurden vollständig mit Stoff überzogen, aus dem realistisch wirkende Schmetterlinge geformt wurden. Sie waren so plastisch gestaltet, dass die Accessoires problemlos als eigenständige Kunstobjekte hätten durchgehen können.

Der Titel der Kollektion — «Kaleidoskop» — wurde nicht zufällig gewählt. Er verweist sowohl auf den ständigen Wandel von Farben und Formen als auch auf die Themen Vergänglichkeit, Zerbrechlichkeit, stille Stärke und die kontinuierlichen Veränderungen in der Natur. Zum Moodboard der Kollektion gehörten neben Schmetterlingen außerdem wissenschaftliche Illustrationen aus dem 19. Jahrhundert von Harriet und Helena Scott, Arbeiten der Regisseurinnen Gillian Armstrong und Kim Gyngell sowie das Werk der Künstlerin Lara Merrett.

In der ersten Reihe versammelten sich zahlreiche prominente Gäste. Unter ihnen waren Naomi Watts, Jessica Alba, Uma Thurman, Sarah Snook und Karen Elson.

Foto: 5elevenmag.com

In Paris präsentierte Tom Ford im Rahmen der Fashion Week seine neue Kollektion, in der sich die für das Modehaus typische Ästhetik unverhohlener Sexualität in einer zurückhaltenderen und zugleich provokanten Interpretation zeigte.

Statt auf offensichtliche Verführung setzte Haider Ackermann, der Designer des Hauses, auf nackte Haut, tiefe Ausschnitte, transparente Stoffe, Leder und dramatische Silhouetten und ließ dabei ausreichend Raum für die Fantasie. Auf dem Laufsteg trafen so die charakteristische Sinnlichkeit von Tom Ford, Ackermanns unverkennbarer Dekadenz und ein Gefühl von Gefahr aufeinander, das zu einer der zentralen Stimmungen der Show wurde.

In seinen Notizen zur Kollektion erklärte der Designer, er habe über das vertraute Bild der verführerischen Frau bei Tom Ford hinausgehen wollen. Sein Ziel sei es gewesen, «sich der Gefahr anzunähern» und eine andere Seite der Nacktheit zu zeigen.

«Es liegt etwas zutiefst Sexuelles in einem Körper, der sich zeigt, ohne sich anzubieten», erklärte Ackermann.

Diese Idee prägte die gesamte Show. Sie fand in einem dunklen, von Spiegeln geprägten Raum statt, in dem die Models Looks präsentierten, die sich an der Grenze zwischen Freizügigkeit und Eleganz bewegten.

Auf dem Laufsteg waren Badeanzüge mit tiefen Ausschnitten, Seiden- und Ledermäntel, Jacken auf nackter Haut, transparente Röcke, strukturierte Bustiers, aus Krawatten gefertigte Tops und provokante Bodys zu sehen. In einem der spektakulärsten Looks war ein Body vollständig mit Strasssteinen besetzt und mit aufwendigen Drapierungen versehen.

Die Badeanzüge erinnerten besonders an die Ästhetik von Helmut Newtons Fotografien aus den 1990er-Jahren — mit jener für seine Arbeiten charakteristischen Mischung aus Stärke, Erotik und filmischer Dramatik.

Ackermann bewahrte zudem eines seiner bevorzugten Stilmerkmale — eine intensive Farbpalette. Neben klassischem Schwarz und Weiß kamen tiefe Rot-, Grün- und Blautöne sowie Olivgrün und blasses Hellblau zum Einsatz. Besonders auffällig waren satte Rottöne, die an die Nuancen der Tom-Ford-Lippenstifte erinnerten.

Ein weiterer Akzent waren lange Maxiröcke mit Schleppen sowie rote Kleider mit extremen Ausschnitten, die der Kollektion zusätzliche Theatralik verliehen.

Die Menswear setzte dasselbe Spiel mit Nacktheit und klassischer Schneiderkunst fort. Minishorts wurden mit Pullovern kombiniert, während Zweiteiler entweder den Oberkörper freiließen oder ein Sakko mit einem Netzshirt zeigten.

Unter den prominenten Gästen der Show waren Shakira, Rosie Huntington-Whiteley, Michael Jacksons Tochter Paris Jackson, Kate Moss, Cara Delevingne und Cynthia Erivo.

Foto: Instagram @upwithoscar_, @f_ed, @maxmirmir

Der erste Tag der Paris Fashion Week endete mit einer der ungewöhnlichsten Shows der Saison. Das Label Matières Fécales präsentierte seine Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 auf der Place de la République — direkt rund um die monumentale Statue der Marianne. Auf dem Laufsteg waren schwangere Models, Gothic-Looks und Figuren mit unheimlicher, surrealer Ästhetik zu sehen. Das Finale entwickelte sich zu einer groß angelegten Performance, bei der Models lebensgroße Figuren von Milliardären auf ihren Schultern trugen.

Der Ort war nicht zufällig gewählt: Auf der Place de la République finden in Paris traditionell Proteste, öffentliche Kundgebungen und große Feierlichkeiten statt. Die Designer nutzten den Platz daher als Erweiterung ihres eigenen Statements über Gesellschaft, Ungleichheit, Migration und Vielfalt.

Die Kollektion trägt den Titel «The Ninety Nine Percent» — «99 Prozent». An der Show nahmen 99 Models teil. Das Konzept knüpfte an die Kritik an der extremen Konzentration von Reichtum und Macht in den Händen des reichsten einen Prozents der Bevölkerung an.

Der letzte Teil der Show, «Gods» — «Götter» — erwies sich als besonders spektakulär. Zwei Models in völlig unterschiedlichen Looks — eines in einem makellosen weißen Anzug, das andere in einem goldfarbenen Kleid mit langer Schleppe — trugen buchstäblich realistisch gestaltete Figuren von Milliardären auf ihren Schultern. So wurde der Laufsteg zur Bühne für eine politische Performance.

Matières Fécales ist seit Langem für radikale Shows bekannt, in denen Mode auf Performance, Theater und Horror trifft.

Auf dem Laufsteg waren zunächst voluminöse Kleider und monochrome Ensembles zu sehen, bevor die Show in eine Punk-Phase überging: Die Models liefen in zerrissenen Kleidern, Bomberjacken, Overknee- und Over-the-Knee-Stiefeln, gebleichten Jeans und weiteren provokanten Looks über den Laufsteg.

Ein besonderer Fokus lag auf der Vielfalt der Models. Unter den Teilnehmerinnen waren auch schwangere Frauen, während die Looks unterschiedliche Erscheinungsbilder und Körperformen zeigten. Damit führten die Designer ihre Idee der «99 Prozent» fort — jener großen Mehrheit der Menschen, deren Geschichten in der Welt der Haute Couture häufig kaum Beachtung finden.

Im letzten Teil kehrte Matières Fécales zu jener Ästhetik zurück, die dem Label internationale Bekanntheit eingebracht hat. Gothic-Elemente trafen auf eine fantasievolle, beinahe traumartige Atmosphäre.

Zu den Klängen von Nina Simone betraten wahre Diven den Laufsteg. Sie trugen Hüte mit überdimensionalen Formen, die von den Kulturen Westafrikas inspiriert waren.

Die Designer spielten mit Kontrasten: Makelloses Weiß wurde von leuchtenden Farben abgelöst, Spitze traf auf Stickereien, und Federn wurden zu einem der wichtigsten dekorativen Elemente der Kollektion.

Foto: harpersbazaar.fr

Roberto Cavalli präsentierte im Rahmen der Milan Fashion Week die Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 und kehrte damit zu jener Ästhetik zurück, die das italienische Haus einst zu einem der wichtigsten Symbole für gewagten Glamour machte. Kreativdirektor Fausto Puglisi blickte in die Archive des Hauses und auf die 2000er-Jahre zurück, als Leopardenmuster, Glanz und demonstrativer Luxus untrennbar mit dem modischen Auftritt verbunden waren.

Die Kollektion trägt den Namen «House of Prints». Auf dem Laufsteg dominierten Animal-Prints, die buchstäblich jedes Kleidungsstück eroberten — von Tops und Tuniken bis hin zu Abendkleidern. Selbst die Schuhe wurden mit charakteristischen «wilden» Mustern versehen.

Die Models liefen über einen spiegelnden Laufsteg, mit lässig toupiertem Haar und in maximal glamourösen Looks. Puglisi reproduzierte dabei nicht einfach die ikonischen Codes des Hauses, sondern verband sie mit einer leuchtenden Farbpalette und modernen Silhouetten. Die Prints trafen auf intensive Farbtöne, während leichte Slipdresses und fließende Tuniken den Looks Bewegung und Sinnlichkeit verliehen.

Zu den besonderen Stars der Kollektion gehörten Jeans und Caprihosen. Sie wurden mit Strasssteinen, Schlitzen, Applikationen und auffälligen Federn verziert.

Auch Pieces, die durchaus zu den großen Hits der Saison werden könnten, waren dabei. Eng geschnittene Hosen, Miniröcke und Schlaghosen erhielten üppige Verzierungen aus Rocailles und Federn.

Foto: Instagram @roberto_cavalli

Carolina Herrera hat seine Jubiläumskollektion SS’27 präsentiert, die der Geschichte des Hauses und seiner Ästhetik der 1980er-Jahre gewidmet ist.

Die Show anlässlich des 45-jährigen Bestehens des amerikanischen Modehauses fand im David Koch Theater statt. Den Laufsteg schmückten dabei 28.798 gelbe Tulpen.

Kreativdirektor Wes Gordon entschied sich für eine Rückkehr zu den Wurzeln des Labels — zur ersten Carolina-Herrera-Show, die 1981 stattfand. Zu den wichtigsten Elementen jener Kollektion gehörten Rüschen und Polka Dots, die Gordon für die neue Kollektion zeitgemäß neu interpretierte.

Zu den auffälligsten Kreationen gehörte außerdem ein Kleid mit einem ikonischen Porträt von Carolina Herrera selbst. Das Bild stammt von dem legendären amerikanischen Künstler Andy Warhol.

Eine weitere historische Verbindung schuf der Designer durch die Zusammenarbeit mit dem US-Magazin «The New Yorker». Gemeinsam mit dem Magazin kreierte Carolina Herrera ein weißes Organza-T-Shirt sowie ein gelbes, mit Perlen verziertes Kleid, dessen Design von dem Cover einer Ausgabe inspiriert wurde, die in der Woche der ersten Show des Labels im Jahr 1981 erschien.

Gordon versteckte in der Kollektion auch weniger offensichtliche, dafür umso persönlichere Anspielungen. Goldene Broschen in Form von Fröschen erinnerten an das Restaurant La Grenouille — einen Lieblingsort des Designers.

Den finalen Look präsentierte Karlie Kloss. Das Model schritt in einem luftigen schwarzen Ensemble mit spektakulären Rüschen am Ausschnitt über den Laufsteg.

Zur Jubiläumsshow kamen auch zahlreiche prominente Gäste. In der ersten Reihe saßen unter anderem Pamela Anderson und die Schriftstellerin Fran Lebowitz nebeneinander.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by CAROLINA HERRERA (@carolinaherrera)

Foto: Instagram @carolinaherrera