Louis Vuitton setzte den Schlusspunkt unter die Pariser Fashion Week und beendete damit zugleich den gesamten Fashion Month. Für die finale Show wählte Nicolas Ghesquière einen symbolträchtigen Ort — den Innenhof des Louvre, wo historische Architektur auf futuristische Kulissen traf. Das war kein Zufall: Das Konzept der Show inszenierte eine Art Reise in die Zukunft.

Eine der wichtigsten Inspirationsquellen war der Futurismus. Er zeigte sich in Kleidern mit klaren geometrischen Formen und schimmernden Kunststoffdetails ebenso wie in Windbreakern mit hohen Kragen. Metallische Fransen und transparente Elemente in leuchtenden Farben verliehen den Looks den Effekt eines kosmischen Lichts.

Die SS’27-Kollektion kreist um die Idee der Bewegung. Klassische Hemden und Kleider erhielten neue Konstruktionen, Verschlüsse wurden neu positioniert, die Silhouetten wurden asymmetrisch. Drapierungen vermittelten den Eindruck, als sei der Stoff ständig in Bewegung, während mehrlagige Outfits scheinbar in der Luft schwebten.

Doch Ghesquière vergaß auch die Funktionalität nicht. Graue Anzüge, Utility-Jacken mit großen Taschen, Leder und hohe Stiefel gehörten ebenfalls zur Kollektion. Die Stücke wirken wie geschaffen für einen Reisenden der Zukunft, für den ein spektakulärer Auftritt ebenso wichtig ist wie die Bereitschaft zum Aufbruch.

Der feminine Teil der Kollektion präsentierte sich romantischer. Der Designer setzte auf Slipdresses, Lingerie-Tops und Rüschen. Röcke und Tops mit Volants kombinierte er mit Seidenhosen und schuf so Looks, die leicht wirkten und zugleich konstruktiv komplex waren.

Zum Blickfang der letzten Looks wurden Kristalle. Sie bedeckten Röcke, Kleider, Blazer und massive Choker. Selbst die Haarteile in Form von Ponyfransen erhielten eine funkelnde Verzierung.

Fotos: russh.com, GoRunway

Bei der Zimmermann-Show in Paris eroberten Schmetterlinge buchstäblich den Laufsteg. Die australische Designerin Nicky Zimmermann ließ sich von der geflügelten Insektenwelt inspirieren und übersetzte das Motiv in zahlreiche dekorative Elemente — von Spitzenapplikationen bis hin zu plastischen Konstruktionen auf Kleidern, Röcken und sogar Taschen.

Die Show fand im historischen Le Carreau du Temple statt, wo die vertraute romantische Ästhetik von Zimmermann eine experimentellere Fortsetzung erhielt. Milchige und pudrige Farbtöne, leichte Drapierungen, Volants, Spitzenkleider in Maxi- und Mini-Länge, lockere Hemden, Hosen, Capes und Tücher blieben als charakteristische Elemente der Marke erhalten. Diesmal setzte die Designerin jedoch verstärkt auf komplexe Texturen und eine ungewöhnliche Verarbeitung der Stoffe.

Nach Angaben der Designerin erwies sich die Arbeit technisch als anspruchsvoller als bei den vorherigen Kollektionen. Das Team experimentierte mit neuen Möglichkeiten, Bewegung in die Stoffe zu bringen und unterschiedliche Texturen miteinander zu verbinden.

Schmetterlinge wurden zum Leitmotiv der Saison — allerdings nicht immer auf den ersten Blick erkennbar. Bei einigen Looks musste man genauer hinsehen, um zwischen Spitze und dekorativen Details winzige Flügel zu entdecken.

So war etwa der Kragen einer Bluse mit einer Kaskade aus Spitzenschmetterlingen bedeckt. Auf weißen Jeans zogen sich die Applikationen entlang der Seitennähte, während transparente, mit Volants verzierte Kleider bis zum Boden fielen und mit skulpturalen Schmetterlingen und Blüten abschlossen.

Ein weiterer Look erinnerte an ein echtes Schmuckstück. Ein Spitzentop mit offenem Rücken wurde mit zahlreichen Schmetterlingsschichten verziert, die von Hand geformt und auf den Stoff aufgenäht wurden.

Gleichzeitig wurde die zarte Farbpalette der Kollektion durch hellblauen Denim sowie Ocker, Schokoladenbraun und Schwarz ergänzt.

Nicht weniger eindrucksvoll waren die Accessoires. Einige Taschen wurden vollständig mit Stoff überzogen, aus dem realistisch wirkende Schmetterlinge geformt wurden. Sie waren so plastisch gestaltet, dass die Accessoires problemlos als eigenständige Kunstobjekte hätten durchgehen können.

Der Titel der Kollektion — «Kaleidoskop» — wurde nicht zufällig gewählt. Er verweist sowohl auf den ständigen Wandel von Farben und Formen als auch auf die Themen Vergänglichkeit, Zerbrechlichkeit, stille Stärke und die kontinuierlichen Veränderungen in der Natur. Zum Moodboard der Kollektion gehörten neben Schmetterlingen außerdem wissenschaftliche Illustrationen aus dem 19. Jahrhundert von Harriet und Helena Scott, Arbeiten der Regisseurinnen Gillian Armstrong und Kim Gyngell sowie das Werk der Künstlerin Lara Merrett.

In der ersten Reihe versammelten sich zahlreiche prominente Gäste. Unter ihnen waren Naomi Watts, Jessica Alba, Uma Thurman, Sarah Snook und Karen Elson.

Foto: 5elevenmag.com

Miu Miu präsentierte in Paris die Frühjahr-Sommer-Kollektion 2027 und wandte sich in dieser Saison der Sportmode der 1980er-Jahre, der Preppy-Ästhetik und Kleidungsstücken zu, die wirken, als hätte man sie zufällig in einem alten Kleiderschrank entdeckt.

Miuccia Prada interpretierte vertraute Trainingsjacken, Sportshorts, Blazer mit breiten Schultern, karierte Röcke und zerknitterte Kleider neu und kombinierte sie mit überraschend eleganten Details. Über verkürzten Tanktops tauchten aufwendig verzierte Bustiers auf, während unter strengen Blazern kurze Shorts mit Bindebändern hervorschauten.

Sportlicher Strick bildete die Grundlage für mehrschichtige Looks und wurde zu Crop-Tops, während Seidenschleifen eher als dekoratives Detail eingesetzt wurden.

Die Show mit dem Titel «Here and Now» fand im Palazzo d’Iéna statt. Auf dem Laufsteg war unter anderem Gigi Hadid in einem Preppy-Look im Stil der 1980er-Jahre zu sehen. Sie trug einen grauen Sport-BH und einen tief sitzenden Rock mit bestickten Einsätzen.

Ein wichtiger Bestandteil der Kollektion war Denim. Für die gemeinsame Kollektion von Wrangler x Miu Miu wurden Vintage-Jeans aus dem späten 20. Jahrhundert verwendet, die neu verarbeitet und mit charakteristischen Kreuzschnürungen versehen wurden.

Die Kreuzschnürungen wurden zu einem weiteren prägenden Element der Kollektion. Sie ersetzten traditionelle Verschlüsse an Jeans, Röcken, Cocktailkleidern und sogar Schuhen. Dadurch erhielten vertraute Kleidungsstücke eine leicht ungewöhnliche, dekonstruierte Optik.

Auch die nächste Zusammenarbeit mit New Balance durfte nicht fehlen. In diesem Jahr feiert die Partnerschaft zwischen Miu Miu und der Sportmarke ihr fünfjähriges Bestehen. Im Mittelpunkt stand das Modell RC150, das mit technischem Mesh, außenliegenden Schnürösen und kontrastierenden Schnürsenkeln neu interpretiert wurde, die lässig im Zehenbereich gebunden wurden.

Foto: hypebeast.com

In Paris präsentierte Tom Ford im Rahmen der Fashion Week seine neue Kollektion, in der sich die für das Modehaus typische Ästhetik unverhohlener Sexualität in einer zurückhaltenderen und zugleich provokanten Interpretation zeigte.

Statt auf offensichtliche Verführung setzte Haider Ackermann, der Designer des Hauses, auf nackte Haut, tiefe Ausschnitte, transparente Stoffe, Leder und dramatische Silhouetten und ließ dabei ausreichend Raum für die Fantasie. Auf dem Laufsteg trafen so die charakteristische Sinnlichkeit von Tom Ford, Ackermanns unverkennbarer Dekadenz und ein Gefühl von Gefahr aufeinander, das zu einer der zentralen Stimmungen der Show wurde.

In seinen Notizen zur Kollektion erklärte der Designer, er habe über das vertraute Bild der verführerischen Frau bei Tom Ford hinausgehen wollen. Sein Ziel sei es gewesen, «sich der Gefahr anzunähern» und eine andere Seite der Nacktheit zu zeigen.

«Es liegt etwas zutiefst Sexuelles in einem Körper, der sich zeigt, ohne sich anzubieten», erklärte Ackermann.

Diese Idee prägte die gesamte Show. Sie fand in einem dunklen, von Spiegeln geprägten Raum statt, in dem die Models Looks präsentierten, die sich an der Grenze zwischen Freizügigkeit und Eleganz bewegten.

Auf dem Laufsteg waren Badeanzüge mit tiefen Ausschnitten, Seiden- und Ledermäntel, Jacken auf nackter Haut, transparente Röcke, strukturierte Bustiers, aus Krawatten gefertigte Tops und provokante Bodys zu sehen. In einem der spektakulärsten Looks war ein Body vollständig mit Strasssteinen besetzt und mit aufwendigen Drapierungen versehen.

Die Badeanzüge erinnerten besonders an die Ästhetik von Helmut Newtons Fotografien aus den 1990er-Jahren — mit jener für seine Arbeiten charakteristischen Mischung aus Stärke, Erotik und filmischer Dramatik.

Ackermann bewahrte zudem eines seiner bevorzugten Stilmerkmale — eine intensive Farbpalette. Neben klassischem Schwarz und Weiß kamen tiefe Rot-, Grün- und Blautöne sowie Olivgrün und blasses Hellblau zum Einsatz. Besonders auffällig waren satte Rottöne, die an die Nuancen der Tom-Ford-Lippenstifte erinnerten.

Ein weiterer Akzent waren lange Maxiröcke mit Schleppen sowie rote Kleider mit extremen Ausschnitten, die der Kollektion zusätzliche Theatralik verliehen.

Die Menswear setzte dasselbe Spiel mit Nacktheit und klassischer Schneiderkunst fort. Minishorts wurden mit Pullovern kombiniert, während Zweiteiler entweder den Oberkörper freiließen oder ein Sakko mit einem Netzshirt zeigten.

Unter den prominenten Gästen der Show waren Shakira, Rosie Huntington-Whiteley, Michael Jacksons Tochter Paris Jackson, Kate Moss, Cara Delevingne und Cynthia Erivo.

Foto: Instagram @upwithoscar_, @f_ed, @maxmirmir

In Paris ist ein weiteres Kapitel in der Geschichte von Saint Laurent zu Ende gegangen — zumindest, wenn man den Symbolen von Anthony Vaccarello Glauben schenkt. Der Designer präsentierte seine neue Kollektion genau zehn Jahre nach seinem Debüt als Kreativdirektor des französischen Modehauses. Und seine Geste nach der Show heizte die Gerüchte über einen möglichen Abschied von der Marke zusätzlich an.

An diesem Abend erstrahlte Saint Laurent buchstäblich in Gold. Es war nahezu überall präsent — in Stoffen, Texturen, Oberbekleidung, Anzügen, Accessoires und sogar in der Dekoration. Über dem Laufsteg leuchtete ein goldener Eiffelturm, während riesige Kronleuchter scheinbar schwerelos über dem Raum schwebten.

Der Designer eröffnete die Show mit einer Silhouette, die längst zu einem seiner charakteristischen Codes geworden ist: ein schmaler Rock kombiniert mit einem voluminösen Oberteil. Dieses Mal wurden die Looks durch leichte Seidenschleppen ergänzt, die sich mit den Models bewegten und ihnen eine theatralische Note verliehen.

Danach eroberte Gold endgültig den Laufsteg. Metallisch schimmernde Trenchcoats und Jacken erinnerten an zerknitterte Folie, während strenge Röcke und Bermudashorts auf Brokat, Jacquard, Stickereien und Fransen trafen.

Selbst Kleidungsstücke und Accessoires, die normalerweise eher als nebensächliche Details eines Looks gelten, erstrahlten in Gold — darunter Crop-Tops, spitz zulaufende Pumps und massive Ohrringe mit der Optik von gegossenem Metall.

Auch Farbe fand ihren Platz in der Kollektion. Leichte Chiffonschals und Turbane brachten Bewegung in die Looks und erinnerten an Saint Laurents Vorliebe für kräftige und zugleich dramatische Akzente.

Es schien, als sei die gesamte Kollektion um die Idee eines goldenen Zeitalters aufgebaut. Besonders symbolisch ist dies angesichts der Tatsache, dass auch Yves Saint Laurent in seiner Arbeit immer wieder auf Gold zurückgriff.

Doch das Finale der Show veränderte die Stimmung abrupt. Nach dem goldenen Glanz erschienen Looks in Total Black auf dem Laufsteg. Riesige, mehrlagige Chiffonkleider umhüllten die Models beinahe vollständig, während Samtanzüge der Kollektion zusätzliche Tiefe und Dramatik verliehen.

Mit diesen schwarzen Looks schien Vaccarello einen Schlusspunkt unter die Geschichte zu setzen, die er während der Show erzählt hatte.

Nach dem abschließenden Lauf von Models und Designern kam Vaccarello zum Finale auf den Laufsteg. Doch genau in diesem Moment ereignete sich eine Geste, die die Modewelt über einen möglichen Abschied spekulieren ließ.

Vaccarello übergab symbolisch die Schlüssel des Modehauses an seinen Sohn.

 

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Eine offizielle Erklärung zu seinem möglichen Abschied hat der Designer bislang nicht abgegeben. Daher lässt sich ein Ende seiner Tätigkeit bei Saint Laurent derzeit lediglich als Spekulation betrachten.

Foto: Instagram @ysl_obsessed

Der erste Tag der Paris Fashion Week endete mit einer der ungewöhnlichsten Shows der Saison. Das Label Matières Fécales präsentierte seine Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 auf der Place de la République — direkt rund um die monumentale Statue der Marianne. Auf dem Laufsteg waren schwangere Models, Gothic-Looks und Figuren mit unheimlicher, surrealer Ästhetik zu sehen. Das Finale entwickelte sich zu einer groß angelegten Performance, bei der Models lebensgroße Figuren von Milliardären auf ihren Schultern trugen.

Der Ort war nicht zufällig gewählt: Auf der Place de la République finden in Paris traditionell Proteste, öffentliche Kundgebungen und große Feierlichkeiten statt. Die Designer nutzten den Platz daher als Erweiterung ihres eigenen Statements über Gesellschaft, Ungleichheit, Migration und Vielfalt.

Die Kollektion trägt den Titel «The Ninety Nine Percent» — «99 Prozent». An der Show nahmen 99 Models teil. Das Konzept knüpfte an die Kritik an der extremen Konzentration von Reichtum und Macht in den Händen des reichsten einen Prozents der Bevölkerung an.

Der letzte Teil der Show, «Gods» — «Götter» — erwies sich als besonders spektakulär. Zwei Models in völlig unterschiedlichen Looks — eines in einem makellosen weißen Anzug, das andere in einem goldfarbenen Kleid mit langer Schleppe — trugen buchstäblich realistisch gestaltete Figuren von Milliardären auf ihren Schultern. So wurde der Laufsteg zur Bühne für eine politische Performance.

Matières Fécales ist seit Langem für radikale Shows bekannt, in denen Mode auf Performance, Theater und Horror trifft.

Auf dem Laufsteg waren zunächst voluminöse Kleider und monochrome Ensembles zu sehen, bevor die Show in eine Punk-Phase überging: Die Models liefen in zerrissenen Kleidern, Bomberjacken, Overknee- und Over-the-Knee-Stiefeln, gebleichten Jeans und weiteren provokanten Looks über den Laufsteg.

Ein besonderer Fokus lag auf der Vielfalt der Models. Unter den Teilnehmerinnen waren auch schwangere Frauen, während die Looks unterschiedliche Erscheinungsbilder und Körperformen zeigten. Damit führten die Designer ihre Idee der «99 Prozent» fort — jener großen Mehrheit der Menschen, deren Geschichten in der Welt der Haute Couture häufig kaum Beachtung finden.

Im letzten Teil kehrte Matières Fécales zu jener Ästhetik zurück, die dem Label internationale Bekanntheit eingebracht hat. Gothic-Elemente trafen auf eine fantasievolle, beinahe traumartige Atmosphäre.

Zu den Klängen von Nina Simone betraten wahre Diven den Laufsteg. Sie trugen Hüte mit überdimensionalen Formen, die von den Kulturen Westafrikas inspiriert waren.

Die Designer spielten mit Kontrasten: Makelloses Weiß wurde von leuchtenden Farben abgelöst, Spitze traf auf Stickereien, und Federn wurden zu einem der wichtigsten dekorativen Elemente der Kollektion.

Foto: harpersbazaar.fr

Auf der Milan Fashion Week präsentierte Gucci seine Frühjahr-/Sommerkollektion 2027. Die Show trug den Titel «The Store Show» und verwandelte den Schauplatz tatsächlich in eine Art Gucci-Store: Die Models schienen direkt von der Straße hereinzukommen, während im Hintergrund ununterbrochen das Leben weiterging — Menschen bewegten sich durch den Raum, die Szenerien wechselten und vermittelten den Eindruck, als befände sich das Publikum mitten in einem realen urbanen Umfeld.

Für Demna Gvasalia war es eine besondere Show. Der Kreativdirektor bezeichnete die neue Kollektion als die erste, in der er «seine ganz eigene Vision der Marke» präsentiert. Im Mittelpunkt seines Gucci steht die Begegnung völlig unterschiedlicher Menschen, Generationen und Stilwelten.

Diese Idee übertrug der Designer überzeugend auf den Laufsteg. Hier traf aristokratische Eleganz auf Popkultur, sportliche Elemente auf provokanten Kitsch.

Zum prägenden Thema der Kollektion wurde Jockey-Chic, ergänzt durch Preppy-Elemente. Das Motiv hat für Gucci eine besondere Bedeutung — das Haus ist historisch eng mit dem Pferdesport verbunden. Entsprechend erschienen weibliche Jockey-Looks auf dem Laufsteg und wurden zu einem der auffälligsten Verweise auf das Erbe des Modehauses.

Die Menswear erinnerte teilweise an die Gucci-Ära unter Tom Ford. Demna zeigte taillierte Lederjacken, Low-Rise-Jeans und Hemden mit umgeschlagenen Kragen, die am Hals offen getragen wurden.

Für ein jüngeres Publikum setzte der Designer auf Bomberjacken und Modelle mit Reißverschlüssen.

Die Womenswear erwies sich als noch vielfältiger. Demna schien die Kleidungsstücke verschiedenen Kundinnentypen zuzuordnen — als hätte er für jede von ihnen ihre ganz eigene Version von Gucci geschaffen.

Jüngeren Kundinnen wurden sexy Leder-Minis angeboten. Für eine ältere Zielgruppe gab es Bomberjacken, taillierte Hemden mit Boyfriend-Jeans und Aufschlägen, voluminöse Pelzmäntel sowie spektakuläre Maxikleider mit markanten Ausschnitten.

Gleichzeitig ließ sich die Kollektion nicht auf einen einzigen Stil reduzieren. Auf dem Laufsteg erschienen karierte Röcke mit einem Hauch von Vivienne Westwood sowie taillierte Blazer, die an die Ästhetik von Celine erinnerten.

Zu den wichtigsten Details der Saison gehörten breite Gürtel, die tief auf der Hüfte getragen wurden.

Foto: Instagram @gucci

Roberto Cavalli präsentierte im Rahmen der Milan Fashion Week die Frühjahr-/Sommerkollektion 2027 und kehrte damit zu jener Ästhetik zurück, die das italienische Haus einst zu einem der wichtigsten Symbole für gewagten Glamour machte. Kreativdirektor Fausto Puglisi blickte in die Archive des Hauses und auf die 2000er-Jahre zurück, als Leopardenmuster, Glanz und demonstrativer Luxus untrennbar mit dem modischen Auftritt verbunden waren.

Die Kollektion trägt den Namen «House of Prints». Auf dem Laufsteg dominierten Animal-Prints, die buchstäblich jedes Kleidungsstück eroberten — von Tops und Tuniken bis hin zu Abendkleidern. Selbst die Schuhe wurden mit charakteristischen «wilden» Mustern versehen.

Die Models liefen über einen spiegelnden Laufsteg, mit lässig toupiertem Haar und in maximal glamourösen Looks. Puglisi reproduzierte dabei nicht einfach die ikonischen Codes des Hauses, sondern verband sie mit einer leuchtenden Farbpalette und modernen Silhouetten. Die Prints trafen auf intensive Farbtöne, während leichte Slipdresses und fließende Tuniken den Looks Bewegung und Sinnlichkeit verliehen.

Zu den besonderen Stars der Kollektion gehörten Jeans und Caprihosen. Sie wurden mit Strasssteinen, Schlitzen, Applikationen und auffälligen Federn verziert.

Auch Pieces, die durchaus zu den großen Hits der Saison werden könnten, waren dabei. Eng geschnittene Hosen, Miniröcke und Schlaghosen erhielten üppige Verzierungen aus Rocailles und Federn.

Foto: Instagram @roberto_cavalli

Auf der Milan Fashion Week präsentierte MM6 Maison Margiela die Frühjahr-/Sommerkollektion 2027, die geradezu dazu zwingt, den vertrauten Kleiderschrank aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Kaum etwas bleibt an seinem gewohnten Platz: Kleidungsstücke verändern ihre Funktion, ihre Proportionen und die Art, wie sie getragen werden.

Die Marke interpretierte die klassische Garderobe neu, indem sie mit den Proportionen spielte. Hemden verwandelten sich in kurze Kleider mit schmalen Trägern — die Kragen saßen dabei ungewöhnlich tief auf der Brust. Hosen wurden zu Kleidern, deren geöffnete Bundpartie über dem BH lag. Pullover und T-Shirts wiederum wurden kurzerhand zu Röcken, deren Ärmel locker herabhingen.

Diesen bewusst nachlässigen Effekt setzten weitere Details fort. Die Kragen der Hemden saßen nicht dort, wo man sie normalerweise erwartet, während sich die Säume der Kleider nach außen umschlugen und darunter liegende Wäsche sichtbar machten.

Die Kollektion spielte mit zahlreichen zerknitterten Texturen, verwaschenem Denim und Hosen, die sich locker um die Knie sammelten. Gleichzeitig wurden entspannte Silhouetten mit strengen Blazern und Trenchcoats kombiniert.

Die Designer schlugen zudem neue Möglichkeiten vor, Kleidungsstücke zu tragen, die normalerweise keinerlei Experimente erfordern. Hemden erschienen direkt auf nackter Haut. Kleider blieben aufgeknöpft und gaben den BH frei, während Pullover mit nur einem Ärmel getragen wurden.

Zum Finale erschienen Kleider mit tiefen Ausschnitten und weichen Drapierungen, die die darunter getragenen BHs sichtbar machten. Gerade dieses Spiel mit Verhüllung und Enthüllung wurde zu einem der zentralen Gestaltungselemente der Kollektion.

Foto: Instagram @mm6maisonmargiela

Im Rahmen der Mailänder Modewoche präsentierte Fendi seine Womenswear-Kollektion für Frühjahr/Sommer 2027. Für Maria Grazia Chiuri ist es die zweite Ready-to-Wear-Kollektion, seit sie mit viel Aufmerksamkeit zu Fendi zurückgekehrt ist.

Die Designerin widmete die neue Show den Themen Körper, Nähe und der Freiheit, sich selbst auszudrücken. Ausgangspunkt für die Kollektion war die Poesie des amerikanischen Schriftstellers E. E. Cummings. Eine Zeile aus seinem Gedicht «i like my body when it is with your» — «Ich mag meinen Körper, wenn er mit deinem zusammen ist» — wurde zum Leitmotiv der Show.

Chiuri erforschte Sinnlichkeit über die Nähe zwischen Menschen und begann dabei mit der intimsten Kleidungsschicht — der Unterwäsche. Die Designerin interpretierte die Lingerie-Ästhetik neu und verband sie mit dem präzisen Tailoring des italienischen Modehauses. So waren auf dem Laufsteg freizügig präsentierte BHs, Seidenkombinationen und kurze Spitzenshorts zu sehen, kombiniert mit weiten Hosen, Blazern und Mänteln.

Insgesamt präsentierte sich die Kollektion mutig und offenherzig. Transparente Stoffe, zarte Cut-outs und Schlitze betonten die Silhouette, während mit Federn besetzte Accessoires den Looks eine theatralische Note verliehen. Daneben stand präzises Tailoring, das einen Kontrast zwischen strukturierten Anzügen und beinahe schwerelosen Stoffen schuf.

Ein weiteres zentrales Element waren Spiegel. Die Models liefen über einen verspiegelten Laufsteg, der jeden Look buchstäblich vervielfachte und seine Wirkung je nach Perspektive veränderte. Damit setzte die Inszenierung das zentrale Thema der Kollektion fort — den Körper als etwas, das wir nicht nur selbst wahrnehmen, sondern auch durch den Blick eines anderen Menschen.

Zu den wichtigsten musikalischen und kulturellen Referenzen der neuen Kollektion gehörte außerdem die italienische Sängerin Raffaella Carrà. Chiuri ließ sich von ihrer Freiheit, ihrer Energie und ihrem selbstbewussten Umgang mit dem eigenen Körper inspirieren.

Insgesamt präsentierte Maria Grazia Chiuri Weiblichkeit nicht als etwas Statisches, sondern als die Freiheit, sich zu bewegen, miteinander in Beziehung zu treten und den eigenen Körper immer wieder aus unterschiedlichen Perspektiven wahrzunehmen.

Foto: Instagram @bazaarthailand